22 mayo 2010

ISMAEL MIRANDA CELEBRA SUS 40 AÑOS EN LA MUSICA


El reconocido cantante de salsa Ismael Miranda, “el niño bonito” de las legendarias Estrellas de Fania, celebró el pasado 9 de Mayo sus cuatro décadas en la música con un concierto en Nueva York, donde inició su carrera y alcanzó la fama, como una de las voces más importantes de este género.

Durante el concierto en el teatro United Palace, en el corazón de la comunidad dominicana en Manhattan, Miranda conversó con el público, presentó a sus invitados y cantó con cada uno de ellos.

El sonero puertorriqueño interpretó todos sus triunfos desde que inició su carrera profesional con la orquesta del conocido pianista Larry Harlow en 1967, de su propia orquesta Revelación que fundó en 1973, de su época con las Estrellas de Fania, con Willie Colón y en solitario.

Además de con el pianista Harlow y con el trombonista y también interprete Colón, Miranda compartió la noche con los cantantes Cheo Feliciano, Tito Nieves, Andy Montañez y José Alberto “El canario”, y Johnny Pacheco, fundador del sello Fania y las Estrellas de Fania.

También el pianista Oscar Hernández y la excelente banda Spanish Harlem Orquesta, que acompañó a todos los cantantes.

La entrada de Miranda al escenario estuvo precedida por un vídeo de diferentes momentos de su exitosa carrera, para de inmediato iniciar con “Como mi pueblo”, al que le siguieron “Abran paso” y “Señor Sereno” con Larry Harlow al piano, de quien dijo le abrió las puertas al éxito, con cuya orquesta grabó varios discos.

Tras la intervención de José Alberto “El canario” con quien cantó “Cuando llegaré”, Miranda trajo al escenario a Hernández, el famoso timbalero Nicky Marrero y a Carlos de León en la trompeta, quienes fueron parte de su orquesta Revelación, para dar paso al tema “Así se compone un son” y “Ahora sí”.

Temas como “María Luisa”, “Incompleto amor” y “Amor de madre” fueron parte del espectáculo.

La presentación de Miranda, que conserva una potente y clara voz, fue intercalada por sus invitados, quienes interpretaron sus propios triunfos como Tito Nieves con “Mas que tu amigo”.

Con el cantante Andy Montañez, junto al cual Miranda grabó tres discos, interpretó “Sufro”, mientras que Cheo Feliciano y Willie Colón -estos últimos dos integrantes de las Estrellas de Fania- fueron recibidos por una ovación con el público puesto de pie.

La interpretación de Montañez de su éxito “Un verano en Nueva York” realizó que el público bailase al ritmo de su contagioso tema.

Le continuó Cheo Feliciano, que el año pasado celebró sus 50 años en la música, interpretando el tema “El día que me quieras” y el celebre “Anacaona”.

El turno fue luego para Willie Colón, a quien Miranda se unió interpretando el tema “No me digas que es muy tarde” incluido en el álbum "Doble Energía" que grabó Miranda conjuntamente con Colón.

Miranda rindió homenaje al recientemente fallecido Ralph Mecado, el empresario más importante de la música latina, quien produjo todos los conciertos de la Estrellas de Fania.

El fin de fiesta concluyó con “Quítate tu pa ponerme yo”, tema de cierre de las Estrellas de Fania, mientras el afamado músico Johnny Pacheco dirigía la orquesta.

Según el pianista Hernández existe la posibilidad de llevar este concierto a otros escenarios, manifestó.



16 mayo 2010

MUERE LEGENDARIO PERCUSIONISTA FRANCISCO AGUABELLA

Después de batallar con un cáncer por cerca de un año, el 7 de mayo del año en curso, murió el legendario percusionista cubano Francisco Aguabella, quien vivió por largos años muy cerca del aeropuerto de Los Ángeles, en el sector de Westchester. «Tocó hasta al final de sus días, ya que el 8 de mayo, tenía un espectáculo en Stearners Jazz Club», nos informó Debbie Farley desde Los Ángeles.


A los 10 años de edad el maestro Aguabella se inició en los tambores batá y en los cantos de rumbas en la provincia de Matanzas —«Allí apredí a tocar los tambores»―, su compañero de clases, Esteban Vega (alias Chachá), le enseñó a tocar los tambores batá. Posteriormente a sus 12 años trabaja como estibador junto a su padre. Escribe el profesor Fernández. R (2002), en una entrevista que le realizó a Aguabella, que dicho músico pertenecía a la religión Abakuá: «Me integré, cuando tenía 18 años y tocaba los tambores abakuá. Mi padre tocaba el arará, mi madre pertenecía al arará, y también al iyesá, era una santera iyesá. Cuando tenía 12 años empecé a tocar batá, primero el tambor okónkolo por dos años, luego el itótele por tres años, antes de empezar a tocar el tambor iyá. Después de dos años ya dominaba el iyá.» Le confesó Aguabella.


Para 1950 viaja a La Habana y allí entabla amistad con dos legendarios percusionistas, Candido Camero y Julito Collazo.
Se integró al Conjunto Bolero de Matanzas, ―como el muy bien lo dice: «No debe ser confundido con el Conjunto Bolero de La Habana», además estuvo tocando en la misma Habana con Trinidad Torres, un percusionista folclórico. En la entrevista para Fernández R. (2002) Aguabella agrega: «Solía tocar el tambor quinto para la comparsa Los Dandys de Belén en La Habana. Tocábamos duro ―era algo físico, marchar y tocar por horas— pero lo hacíamos por gusto. No lo hacíamos por dinero.» Para comienzos de los años 50's, en el Club Sans Souci, fue donde lo reclutó la compañía de baile de Katherine Dunham para trabajar por tres meses en un proyecto cinematográfico en Italia, no obstante recorrió gran parte de Europa y América Latina desde 1954 a 1957. «Cuando estuve en Italia con la compañía de danza de Katherine Dunham ―estábamos filmando la película Mambo con Sheley Winters, Anthony Quinn y Silvia Mongano— tenía problemas con el idioma y no podía ordenar en los restaurantes. Yo sólo quería comer arroz, frijoles (habichuelas) y carne de res, así que aprendí a decir 'risotto, fagioli, panino e esteca', y comí eso por cuatro meses.» Su desprendimiento de Cuba no fue nada fácil, al parecer Francisco le comentaba a sus allegados, que Catherine Dunham había notado que él estaba deprimido por dejar su tierra natal y quería regresar. Ella lo sorprendió agregando a la Compañía a su amigo Julito Collazo. Julito a su vez sorprendió a Francisco en el barco, y ellos tocaron percusión en toda la gira.

Después de su estancia con Dunham, se establece en Nueva York, donde Mongo Santamaría le presenta a Tito Puente y graban "Top Persussion", junto a Julito Collazo, Willie Bobo, Enrique Martí y Marcelino Guerra. Al parecer, fue el primer conguero en tocar con cinco tumbadoras en los EEUU. Para finales de los 50's viaja a Los Ángeles y allí graba con el músico cubano, René Tuzet, además formó parte ―por un corto periodo— de la Orquesta del maestro Pérez Prado. A comienzo de los setenta se integra con varias agrupaciones muy de moda en los EE.UU.: Rosemary Clooney, Ray Charles, Peggy Lee, Benny Carter, Eddie Palmieri, Mary Kay Trio, Francis Faye, Nancy Wilson, The Jazz Cruzaders, Al Hirt, Dinah Shore, Don Ellis, “Dizzy” Gillespie, entre otros. Con Peggy Lee actuó y realizó varias giras por cerca de siete años. También actuó y grabó con varias estrellas del Rock, en su haber, Carlos Santana, Three Dog Night, Paul Simon y The Doors. Con respecto a sus giras por los EE.UU en los años 60s, el mismo comentaba: «A veces dormía en el bus de la banda mientras estaba de gira con la orquesta, debido al hecho de que yo era negro.» Se le observa participando en la percusión junto a Mongo Santamaría, Julito Collazo, Chino Valdez, Orlando López, Orlando Beltrán, Armando Peraza, José “ Buyú” Mangual, entre otros, en la banda sonora —que dirigió el afamado músico argentino, Lalo Schiffrin― de la película Che (filmada en 1969 y dirigida por Richard Fleischer.)

Arteaga. J. (2003), en su libro Oye Como Va, escribe sobre Aguabella lo siguiente: «En 1962 grabó su primer disco en los estudios de Fantasy en Berkeley. Fue otra manera de presentarse en sociedad, aunque ya era un percusionista reconocido. Dancing the Latin Way vendió 35.000 copias, lo cual era un récord para un álbum tipo Tjader grabado durante el auge de la pachanga. Buena parte de su éxito se la debió al flautista Rolando Lozano, que le dio el aire charanguero necesario en los temas compuestos por el propio Aguabella: Marvel Cha Chá, Agua Limpia Todo, Gua Guao y Ofé, este último que permitió el lucimiento de Al Mckibbon. Además, se pusieron a prueba las composiciones de la pianista y vibrafonista Shirley Price.»

Para los años de agitación social en los EE.UU, 1970, se une al Grupo de Rock Malo que dirigía el guitarrista Jorge Santana. Realizó una importante labor en Los Ángeles, California, donde residió, luego de trasladarse desde Nueva York, enamorado de una bailarina del grupo de Katherine Dunham. Francisco en vida recibió varios premios, tales como: The National Heritage Fellowship de la National Endowment for the Arts y The Durfee Foundation's Master Musicians' Fellowship. Por otro lado, recibió varios reconocimientos por parte de Los Ángeles County Arts Commission. Él aparece en el documental "Sworn to the Drum" dirigido por Les Blank, más recientemente figuró en un nuevo documental titulado: "Aguabella", actualmente en producción el cual fue dirigido por el actor/director Orestes Matacena (The Mask, Bitter Sugar). Al parecer, Dizzy Guillespie, le apodó: El "John Coltrane de la Congas".


Una buena anécdota contada por el mismo aguabella es la siguiente: «...Cuando estaba trabajando con Frank Sinatra en Las Vegas, él presentaba a los miembros de la banda y decía, 'Mi percusionista de Italia, Francisco Aguabella'.»


Descanse en Paz Francisco Aguabella.


Fuente: Herencia Latina





20 marzo 2010

PIANISTA PRISCA DAVILA DE GIRA POR EUROPA


Una de las pianistas más representativas de la tradición venezolana, realizará una gira por España, Francia y Holanda que incluye importantes festivales

Euromundo Global MADRID EDICIÓN DIGITAL NÚMERO 56 10 de marzo de 2010.

Prisca Dávila recoge la cosecha de sus exitosas presentaciones en el continente europeo durante 2009, por lo que ha sido invitada nuevamente a presentarse en España, Francia y Holanda. Esta vez, las presentaciones de una de nuestras más destacadas pianistas incluyen importantes festivales y eventos culturales. La artista viajará el 14 de marzo y regresará a Venezuela el 26 de abril, para preparar varios conciertos en importantes salas venezolanas.

Prisca comenzará su gira europea en Madrid, el 17 de marzo, presentándose en el conocido local La escalera de Jacob.

Al día siguiente actuará por segunda vez en el Contraclub. El 19 de marzo debutará en la Sala Barco Bar.

Vale destacar que durante el mes de marzo en Europa se celebran diversas actividades para conmemorar el mes de la mujer. Las presentaciones anteriormente mencionadas se enmarcan en el “Festival Ellas crean 2010”, y la programación correspondiente a “las salas de música en vivo”.

“Estoy muy contenta por el resultado de las giras anteriores en el continente europeo, que han traído como resultado nuevas invitaciones”, declaró Prisca. “me alegra el valor que le dan a la música venezolana en países como España y Francia, donde existe mucha curiosidad por nuestros ritmos”. Agregó la artista.

Asimismo, el 20 de marzo, Prisca dará un recital para la Fundación Entredos, institución cultural feminista, para la cual ya había tocado en marzo del 2009, recibiendo excelentes críticas. De esta forma Prisca cerrará sus presentaciones en el territorio español.

Durante sus actuaciones, Prisca presentará el repertorio de su fusión de la música venezolana, académica y el jazz e interpretará temas de sus cuatro producciones discográficas y de su autoría. Estará acompañada por su padre Eduardo Dávila en la flauta y saxofón, Manuel Torcatt en el bajo (venezolano que reside en Salamanca), Iván Díaz en la batería e Hilda Hernández en la percusión (ambos destacados músicos venezolanos que viven en Madrid).

“Estoy feliz porque cuento con excelentes amigos y músicos de mucho talento, quienes me apoyarán durante esta gira. Agradezco mucho el apoyo que me han brindado y también estoy muy contenta de que mi padre, Eduardo Dávila me acompañe en esta gira tan importante”, comentó la artista en relación a los músicos que tocarán con ella en España.

Próximo destino Francia
Prisca arribará a Francia para presentarse en el Festival XVIII Culturamerica que se celebra en diversos teatros de los pirineos franceses. Como parte de su actuación en este Festival, además de los conciertos, también dará una clase magistral de piano en un colegio local dirigido a jóvenes, cuyo tema principal será la música venezolana.

El Festival XVIII Culturamerica , es un evento que impulsa la cultura latinoamericana en distintas disciplinas artísticas. Las fechas de los conciertos que dará Prisca en el evento son las siguientes:
  • Miércoles 24 de marzo en la Universidad de Bayonne.
  • Jueves 25 de marzo en SEMEAC (Centre Albert Camus).
  • Viernes 26 de marzo en MOURENX (M.J.C.L.).
  • Sábado 27 de marzo en PAU (Le Méliès).
  • Domingo 28 de marzo en GARLIN (cinéma). En este concierto se proyectará una película venezolana.
Al terminar sus compromisos en el festival, Prisca se trasladará a la ciudad de Marsella, donde el 2 de abril, actuará junto al pianista francés Simón Bolzinger, con quien conforma el dúo “A dos pianos vamos”. La venezolana y Bolzinger tocarán el Castillo EnBastide de la Magalone. Interpretarán un repertorio formado por temas clásicos de la música venezolana y latinoamericana a dos pianos.

“Simón es un gran amigo, quien adora la cultura venezolana, especialmente su música. Será un placer tocar con él. Tenemos mucha química para tocar el piano, inclusive tengo plantes para hacer conciertos con él en Venezuela para el tercer trimestre de 2010”, explicó Prisca sobre su trabajo con Simón Bolzinger.

La gira en las Islas Canarias
Dentro de su apretada agenda en Europa, Prisca realizará un gira promocional para mostrar su trabajo en las Islas Canarias, específicamente en la ciudad de Tenerife, entre el 7 de abril al 12 de abril, región de España que cuenta con una gran cantidad de venezolanos.

La gira continúa en Holanda
El 13 de abril Prisca viajará para Amsterdam, Holanda y al día siguiente actuará en el renombrado local Badcuyp Amsterdam. También tocará el 16 de abril en Vredeskapel Den Haag en la Haya y en la ciudad de Delft el 18 de abril. Cambiando el género musical, los días 15 y 17 de abril el consagrado percusionista venezolano, Gerardo Rosales, invitará a Prisca a tocar al ritmo de la salsa en distintos escenarios holandeses, con su reciente proyecto “son desempleado”, en el cual Prisca grabó en el disco compacto que está próximo a salir al mercado.

Durante su visita a Holanda, Prisca contará con su padre Eduardo Dávila en el saxo y la flauta, Manuel Torcatt en el bajo y por supuesto Gerardo Rosales en la percusión.

La gira cierra en España Prisca culminará la gira en la ciudad de Salamanca en el Bar El Savor y en el Café Delicatessen, el 21 de abril y el 22 de abril, sitios que tuvieron un gran éxito en la gira del verano 2009.

La gira de conciertos 2010 de Prisca Dávila no terminará en Europa. A partir del mes de junio vendrán varios compromisos en importantes salas venezolanas, junto a destacados artistas nacionales e internacionales.

fuente: http://www.prisca.com.ve/


14 marzo 2010

MIKE COLLAZO LEGENDARIO TIMBALERO (1935 - 2010)

Muere el 1 de Marzo 2010 en la ciudad de Nueva York el legendario timbalero Mike Collazo.

Un percusionista de notables cualidades. Mike Collazo pertenece a esa elite de músicos newyorkinos que se fajaron por darle nivel a esta expresión musical. Participó en diferentes agrupaciones siendo en las de Tito Rodríguez, Ricardo Ray, Eddie Palmieri y Eddie Zervigón, las más destacadas. A la edad de 14 años, Mike comenzó a estudiar con Ubaldo Nieto, el timbalero de la Orquesta de Machito. Luego Mike estudió en «New York City High School» y posteriormente en la Escuela de Diseño Industrial, junto a los músicos, Orlando Marín y Joe Quijano. Fue durante este período que él introdujo a Orlando a la música latina. Probablemente el alumno más famoso de esta escuela secundaria lo es el cantante Tony Bennett.

Después de graduarse de la escuela secundaria, Mike asistió a la Escuela de Música del Condado de Manhattan, el tiempo suficiente para aprender a leer música. Esta habilidad le dio la oportunidad de grabar muchos discos y jingles.

Su primera y gran oportunidad llegó cuando se integra a la banda del cantante cubano Marcelino Guerra. Ya a la edad de los 18 años se unió a la banda de otro gran cantante cubano Vicentico Valdés. Se quedó con esta banda hasta que fue reclutado en el ejército a la edad de 23 años.

A su regreso del ejército, Mike actúa con la Orquesta la Perfecta de Eddie Palmieri. De los primero lugares donde tocaron fue en un club ubicado en la calle 77 en Nueva York con el nombre de Che José.

A principios de su carrera, le comentaron a Mike que Tito Rodríguez necesitaba un timbalero para su banda, pero él declinó porque sentía que aún era demasiado inexperto. Para aquellos días era un evento muy especial cuando se presentaba un trabajo en alguna de estas grandes bandas, dado a que sus «Sidemen» estaban acostumbrados a mantenerse en estas bandas por un espacio de 10 a 15 años. Normalmente alguien tendría que morir antes de que su silla musical fuera reemplazada. En el caso de Tito Rodríguez, fue su timbalero, Papi Paganni —un gran músico, en palabras Collazo—, quien tuvo que abandonar su trabajo por motivos personales y fue entonces que Mike tomó su lugar. Y en efecto, se quedó con Tito Rodríguez por 5 años.

Después de la banda de Tito Rodríguez, Mike se unió a la banda de otro gigante, Ricardo Ray que fue muy popular en la década de 1970. Un solo de timbal aportado por Mike en el álbum Agúzate le dio el prestigió como un excelente timbalero. Antes de ser llamado para este trabajo, Mike se encargaba de marcar el tiempo, pero no había tenido la oportunidad de demostrar sus dotes de solista. Incluso, al día de hoy, a Mike se le reconoce sus ingeniosas ejecuciones y su bien lograda descarga de este álbum en países como Colombia.

Durante los últimos 15 años, Mike ha sido un miembro de la Charanga de Nueva York y la Orquesta Broadway de Eddie Zervigón, se ha presentado en diferentes actuaciones como Descarga de Palos donde participó junto a los vituosos timbaleros Orlando Marin, Nicky Marrero, Orestes Vilató y Jimmy Delgado.

06 marzo 2010

BARRY ROGERS: EL TROMBON LEGENDARIO


Saludos estimados visitantes, en esta oportunidad presentamos una breve reseña del mas importante trombonista de la salsa en las décadas de los sesenta y setenta quien nos contagió de ese feeling particular de quien nace en el Bronx e influenció a grandes trombonistas de la escena. Parte fundamental del grupo "La Perfecta" del maestro Eddie Palmieri en sus primeras décadas y líder incuestionable de la sección de vientos de Fania All Stars. Hoy es recordado por su aporte incalculable al desarrollo de la salsa.

Barron W. Rogers nació en el Bronx el 22 de mayo de 1935 y se crio en el Spanish Harlem. Descendiente de una familia judío polaca, los cuales emigraron a Nueva York, vía Londres, el apellido original de Barry era Rogenstein, lo que él varió a Rogers. Su familia poseía una fuerte musicalidad, su padre y varios de sus tíos cantaban en el coro de Joseph Rosenblatt uno de los grandes cantores del siglo XX, y su madre le había enseñado acerca de África, México y otros lugares que inspiraron un interés en la música y cultura de otras naciones. Además de estas bases de conocimientos, el mambo y el jazz eran simplemente géneros populares que se escuchaban frecuentemente en el barrio.


Rogers inició su carrera en la musica latina a mediados de la década de 1950 y sería el trombonista mas ligado al genero desde entonces, sin embargo, es sorprendente saber que Rogers fue un autodidacta del instrumento que le dio fama, ya que nunca recibió una lección para aprender su ejecución. Eso sí, su talento natural y una perseverancia en alcanzar la perfección, lograron la maestría reconocida por todos, no sólo en el trombón, sino también en otras facetas de la música como los arreglos, los aspectos técnicos en un estudio de grabación, la producción e incluso el dominio de otros instrumentos como el tres cubano (logrado en base a estudiar a fondo la música cubana y sus figuras, en especial a Arsenio Rodríguez). Es más insólito aún saber que físicamente, al menos en sus inicios, Barry sufría para tocar el trombón (muchas veces se le abría el labio), debido a la agresividad y al ritmo agitado (ya que también hacía coros) que mostraba en sus actuaciones. Incluso, compañeros de entonces afirman que tal vez ese ritmo de trabajo pudo haber minado bastante su salud. Su permanencia en La Perfecta duró hasta el año de 1968, cuando graba el disco Champagne (Sello Tico, 1968), cambiando totalmente de giro al unirse en Octubre de ese año a la orquesta del Lloyd Price Turntable, aunque no se desconecta totalmente del ambiente latino, siendo invitado a varias grabaciones y alternando con grupos como Fania All Stars, con el que participa en el famoso concierto del Cheetah en la ciudad de New York, en Agosto de 1971.

En 1970, Barry conoce a un joven saxofonista llamado Mike Brecker, quien tocaba en la banda de jazz y Rhythm and Blues de Edwin Birdsong. Entre ambos, junto a Randy Brecker, Doug Lubahn, Jeff Kent y el baterista Billy Cobham forman Dreams, una banda de fusión de jazz y rock, considerada pionera y de gran influencia en el futuro desarrollo de la misma, que grabó dos L.Ps para Columbia y que se disolvió en 1972, debido a la poca aceptación comercial lograda. Es en esta etapa que Barry empieza a moldear un estilo diferente de ejecución, sin estar "obligado" a ser el fiero improvisador de La Perfecta, volviéndose un estilista con una técnica depurada, pero sin perder esa energía que lo hacía lider natural dondequiera que fuera. Asimismo, Dreams le permitió hacerse conocido y solicitado por artistas no latinos, de la talla de James Taylor, Aretha Franklin, Chaka Khan, Grover Washgington Jr., Aerosmith, The Average White Band, Manu Dibango, Jon Faddis, Gloria Gaynor, Ron Carter, George Benson, carly Simon, Bob James, Spyro Gyra, Elton John, Don Grolnick, Bette Midler, Tina Turner, entre otros, para sus grabaciones. También participa en el soundtrack de la película Fama (1980).


Barry murió en Nueva York el 18 de abril de 1991 mientras dormía en su apartamento en la Washington Heights. La muerte de Barry fue un verdadero shock para sus amigos, familia y colegas, así como para el mundo de la salsa y el Jazz Fusión.

05 febrero 2010

"JUNTOS PARA SIEMPRE" MEJOR ALBUM DE LATIN JAZZ - GRAMMY AWARDS 2010

El premio Grammy por "Juntos para siempre" es el más especial de los que Chucho Valdés ha ganado, pues se trata del primer disco que graba con su padre Bebo, un disco con el que además cumplió un sueño de su abuela, dijo el pianista cubano.

Y al aceptar su estatuilla al mejor álbum de latin jazz, Valdés le dedicó el domingo el gramófono dorado a la progenitora de su padre.

"Uff, mi corazón", dijo Valdés en inglés evidentemente emocionado. "Muchas gracias. A nombre de mi padre, Bebo, y mío. Dedico este premio a mi abuela Caridad".

Luego, entre bambalinas, el músico agregó en español: "Es el más especial de todos ... Es un tributo a nuestra propia familia porque era sueño de mi abuela, la mamá de Bebo, de vernos un día juntos tocar, por eso ha sido tan especial. Por haber tocado con mi papá, con mi profesor, y porque mi familia va a estar muy orgullosa de eso".

Padre e hijo, ambos pianistas, recién grabaron un disco juntos porque cada uno estaba enfocado con sus propios proyectos, explicó Valdés.

Inicialmente, en los años 70, Chucho estuvo ocupado con la banda de latin jazz Irakere y luego con su cuarteto Blue Note. Irakere, donde tocó con Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval, ganó en 1979 un Grammy por un disco homónimo convirtiéndose en la primera agrupación cubana en ganar este premio.

En tanto, Bebo estuvo enfocado en proyectos locales en Suecia hasta que despegó con "Lágrimas Negras", con el cantante de flamenco Diego El Cigala, con lo que ganó el Latin Grammy en el 2004. Luego fue resaltado en el documental "Calle 54".

"Estábamos por caminos paralelos y decidimos hacer un disco juntos, hacer lo que siempre hacíamos en casa, cuando estábamos practicando, cuando él me estaba enseñando, cuando estábamos estudiando juntos", explicó Valdés hijo. "Y el disco fue una cosa que salió muy espontánea, fue un disco que nos sentamos al piano y empezamos a tocar, a tocar, a tocar. Primera toma, primera toma. Y todo salió como en casa exactamente".

Este es el tercer Grammy para Bebo, de 91 años, y el cuarto para Chucho, de 68. Ambos nacieron el mismo día, 9 de octubre, con 23 años de diferencia. El padre tiene cinco Latin Grammy; el hijo dos.

Nominados en la categoría Mejor Album de Latin Jazz:

'Things I Wanted To Do' - Chembo Corniel
'Áurea' - Geoffrey Keezer
'Brazilliance X 4' - Claudio Roditi
'Juntos Para Siempre' - Bebo Valdés y Chucho Valdés -- Ganador!
'Esta Plena' - Miguel Zenón




LATIN JAZZ: A LEGITIMATE AMERICAN MUSIC

By Bobby Matos, Well-informed historians and critics have stated that they believe jazz is America's only art form or its most important art form. Obviously, to music scholars and experts, most pop music derives from jazz, including R&B, rock, hiphop and other subgenres.

One of jazz music's most important styles, however, is often ignored or not acknowledged to be a part of jazz. Latin jazz, originally called AfroCuban jazz, is often perceived as being a foreign entity and is often denigrated. In Ken Burns' documentary Jazz, it is only briefly mentioned. The truth demands a more complex reference.

Going back to the beginnings of jazz, let's remember that New Orleans was a port, a part of trade routes that included many of the Caribbean islands since the early Spanish and French colonizations. Comparisons of early Ragtime music from New Orleans with early Danzon music (a 19th century creolization of the English and French country dance, fusing elements of European chamber music with an Africanized rhythm on the tympani) from Cuba reveal many similarities, especially in the use of AfroCaribbean rhythms. Early jazz and blues pioneers, like WC Handy and Fats Waller, acknowledged what they called "the Spanish Tinge.

" During World War I, famed African-American bandleader James Reese Europe led large orchestras as part of the US Army's elite black unit "The Hell Fighters" in Europe and at home. They played both martial and jazzier music and recruited many musicians from Puerto Rico (a US possession), including many who became known as major innovators in both the Latin and jazz idioms. Rafael Hernandez won fame as the composer of many Latin tunes including "Lamento Borincano" while trombonist Juan Tizol is famous as a collaborator of Duke Ellington and the composer of "Perdido" and "Caravan."

By the '30s, much Latin music was being heard in the US, including Argentinean Tango, Brazilian Samba and Cuban Rumba and Son (an AfroCuban song form from Oriente, Cuba). One famous Cuban Son Pregon (a street vendor's musical cry advertising his wares), "El Manicero," became a huge international hit in 1930 under its American title "The Peanut Vendor," played by everyone including jazz master Louis Armstrong. This song inspired a so-called 'Rhumba' craze though 'Rhumba,' spelled with 'h,' was really a watered-down, over-orchestrated version of the Son and, in reality, has no resemblance to the virile percussive AfroCuban 'Rumbas.' This popularity inspired a young AfroCuban musician to try his hand finding work in the US. Mario Bauza was originally a classically-trained clarinetist and alto saxophonist, a former child prodigy, who realized that Cuba and its highly segregated classical music scene had no place for a black musician, no matter how talented. After arriving in New York and initially finding work playing with Latin dance bands, Bauza taught himself to play trumpet to take advantage of recording opportunities. He discovered the world of swing bands and was soon playing with the renowned Chick Webb Orchestra.

Bauza absorbed the essence of the Swing musical style, the jazzy and bluesy phrasing and the use of brass and reed sections playing counterpoint to each other to create rhythmic tension. Later he joined the orchestra of popular cultural icon Cab Calloway, where he met a talented young trumpet player who became a lifelong friend—John Birks "Dizzy" Gillespie. Then Bauza gave up the security of working with popular bands to do something startling.

Frank "Machito" Grillo was Mario's brother-in-law and a childhood friend, known as a singer and a maracas player in Cuba. He mentioned to Bauza that he was coming to New York and Bauza replied that he would create an orchestra especially for him. Copying the unique swing style of brass and reed section counterpoint and combining it with truly authentic AfroCuban rhythms, Machito and his AfroCubans (a revolutionary name for a revolutionary orchestra) was formed at the beginning of the '40s.

Much less commercial than the popular Latin dance bands catering to mainstream white America, the band at first struggled for its existence but Bauza persisted, adding many jazz musicians and concepts. The combination of authentic AfroCuban rhythms with swing horn section writing was a new concept that became the standard in later years. Inspired by his talented musicians and his vast experience, Bauza composed a song called "Tanga" in 1943. This moment in time has been generally recognized as the beginnings of 'Latin jazz' (although Bauza always preferred the term 'AfroCuban jazz') and "Tanga" is known as the first AfroCuban jazz composition.

Machito's music influenced many of the Latin bandleaders that followed and many American musicians as well. Charlie Parker, Buddy Rich and Flip Phillips recorded with the Machito Orchestra. Dizzy Gillespie consulted with Mario and Machito when he was looking for a conga drummer for his own AfroCuban jazz (or Cubop) experiments. Machito and Mario suggested Chano Pozo to Dizzy and history was made again. Stan Kenton openly stated his affection for the orchestra and he named one of his compositions "Machito." Tito Puente, who played with Machito as a youngster, often said that his mentors were Mario and Machito. In later years, jazz musicians like Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Herbie Mann and Johnny Griffin performed and recorded with Machito. Leonard Bernstein even used Machito's music as an example of real jazz on his famous television broadcasts in the '50s.

US Latin jazz continued to develop throughout the '50s-60s with stellar contributions from Kenton, George Shearing, Cal Tjader, Jack Costanzo, Herbie Mann, Tito Puente, Pucho & the Latin Soul Brothers, Sabu Martinez, Hugo Dickens, Mongo Santamaria, Willie Bobo, Chick Corea, Chico O'Farrill, Lalo Schifrin and more. In recent years, North American Latin jazz has produced artists like Poncho Sanchez, Jerry Gonzalez, Papo Vasquez, Hilton Ruiz, Arturo O'Farrill, Gonzalo Rubalcaba, Danilo Perez and countless others. All these musicians have contributed their personalized unique vision to the further development of North American Latin jazz.

All About Jazz - Bobby Matos

SPANISH HARLEM ORCHESTRA: “IMAGENES LATINAS”

  Oscar Hernández and the Spanish Harlem Orchestra [SHO] have set the bar so high for the kind of Afro-Caribbean ensemble musicianship ...