FALLECE EL CELEBRE PIANISTA DE JAZZ DAVE BRUBECK

Take Five’ o ‘Three to Get Ready’, son algunos de los temas que hicieron famoso a este músico, especializado en la utilización del contrapunto, polifonía y experimentación de ritmos. Dave Brubeck murió a los 91años, dejando un repertorio de un centenar de discos.

El mítico pianista estadounidense de jazz Dave Brubeck, intérprete de clásicos como Take five y Blue Rondo a la Turk, falleció el pasado miércoles 5 de Diciembre en un hospital de Connecticut a los 91 años de edad, según informó su mánager Russell Gloyd.

Brubeck, considerado uno de los pianistas y compositores más destacados del jazz, murió a causa de un fallo cardíaco en la localidad de Norwalk, de ese estado del este de EE UU.

Formó su conocida banda The Dave Brubeck Quartet en 1951 y fue el autor del disco Time Out, de 1959, el primer álbum de jazz que consiguió vender más de un millón de copias.

El pianista y compositor es considerado uno de los responsables de conseguir que el jazz pasase a ser reconocido como un género de mayor dignidad y dejase de ser simplemente una música de baile.

Brubeck conoció a Paul Desmond, saxo alto, en 1944 mientras estaba cumpliendo el servicio militar. Tras licenciarse retomó sus estudios musicales y sería Darius Milhaud quien le animó a ampliar sus conocimientos fuera de la orquestación. Dave Brubeck y Paul Desmond formarían en 1951 The Dave Brubeck Quartet, acaso el conjunto más representativo del llamado West Coast Jazz/Cool Jazz.

Fue el segundo jazzman que apareció en la portada de la prestigiosa Time, el primero había sido Louis Armstrong. Dave Brubeck era ya una celebridad pero su estrella creció hasta cotas insospechadas gracias al éxito de su disco publicado por Columbia Records en 1959, Time Out. La bonita portada era una obra de arte firmada por el diseñador hawaiano S. Neil Fujita.

Durante un viaje por Asia Menor patrocinado por el Departamento de Estado, Dave Brubeck descubrió en la calle a un grupo de folk turco tocando un tema en un compás de 9/8, el mismo que utilizó para escribir ‘Blue Rondo à la Turk’. Aunque los solos de piano y saxo alto están en el estándar 4/4. Sublime Brubeck y sus compañeros.

Por la The Dave Brubeck Quartet, formada junto a su amigo y socio el saxofonista Paul Desmond, pasaron algunos grandes nombres del jazz, como Gerry Mulligan.

También fue responsable del musical The Real Ambassadors, realizado con su cuarteto y en colaboración con la orquesta de Louis Armstrong.

Aunque The Dave Brubeck Quartet se deshizo en 1967, el pianista mantuvo su actividad musical con nuevos proyectos para orquesta y coro, además de mantenerse como una de las referencias clásicas del jazz en las siguientes décadas.

El conocido club de jazz neoyorquino Blue Note ha emitido un comunicado tras conocerse el fallecimiento del músico en el que expresa su "profundo pesar" y recuerda su última presentación en su escenario en junio de 2010.

El Blue Note ha celebrado "sus sobresalientes logros como compositor, líder de banda y pianista" y ha señalado que su "legado servirá como un ejemplo para el futuro".

David Warren Brubeck nació en 1920, en la localidad californiana de Concord, donde su padre era granjero, y estudió música en el College of the Pacific, en Stockton, California, antes de incorporarse al ejército, donde dirigió la banda militar.

Brubeck, que fue galardonado con la Medalla nacional de las Artes en 1994 y el premio honorífico Kennedy en 2009, tiene seis hijos, todos los cuales son músicos profesionales.

THE LATIN PERCUSSION JAZZ ENSEMBLE ''LIVE AT THE MONTREAUX JAZZ FESTIVAL 1980"

 

Basta ver los nombres de los integrantes de este quinteto para darse cuenta de que se trata de un disco imprescindible: Tito Puente en los timbales, Jorge Dalto en el piano, Carlos Patato Valdés en las congas, Mike Viñas en el bajo y Alfredo De La Fé en el violín. Además con el encanto que da una grabación en vivo en el prestigioso festival suizo.

El Latin Percussion Jazz Ensemble surge de una idea de Martin Cohen, presidente de la empresa de instrumentos de percusión LP, para promocionar sus productos en Europa. 

Así un grupo de prestigiosos músicos radicados en Nueva York, recorría, en varios tours entre 1979 y 1981, escuelas de música y universidades europeas ofreciendo talleres y recitales a los estudiantes. El conjunto fue adquiriendo prestigio por los músicos que pasaron por él -antes del quinteto de este disco habían tocado el batería Steve Berríos, el bajista Sal Cuevas, el trompetista René López, el pianista Eddy Martínez y el percusionista Johnny Rodríguez- además de la presencia de Tito Puente y Patato que fueron los que más tiempo permanecieron en la formación. Así, después de algún tiempo, fueron contactados por los organizadores del festival.

Este disco contiene parte del material que presentaban en sus giras, pero sobre todo, la espontaneidad y alegría del jazz latino, en una época que el inmenso éxito comercial de la salsa dejaba poco espacio para proyectos como éste. Con la excepción de Alfredo De La Fé, que tuvo una destacada participación en agrupaciones salseras, los otros músicos del quinteto, no participaron del todo en el festín. Tito Puente y Patato, no fueron los favoritos del público en aquellos años, aunque dejaron pocos pero destacadísimas huellas en el boom -sólo para nombrar algo, Homenaje a Benny Moré de Puente y Ready For Freddy de Patato, son discos de esa época que también están en el apartado de imprescindibles-.

Pero el excelente pianista argentino Jorge Dalto, fallecido en 1987, fue siempre un músico elitista en sus trabajos -entre sus colaboraciones destacan trabajos con Gato Barbieri, Paquito D'Rivera y en Afro Cuban Jazz el disco con el que Mario Bauzá vuelve a grabar después de muchos años inactivo-. Así, no son muchas sus grabaciones y este disco presenta la posibilidad de escuchar su genio.

Es un disco de standards, Bacalao con pan, My Favorite Thing, Morning, Pare cochero, Almendra y Oye cómo va, se suceden maravillosamente con la espontaneidad del concierto

The Latin Percussion Jazz Ensemble
Live at the Montreux Jazz Festival 1980
Grabado en vivo en Montreux en 1980
Producido por Martin Cohen

TRACKS
1-Introducción
2-Bacalao con pan
3-My Favorite Things
4-Morning
5-Pare cochero
6-Almendra
7-Oye cómo va


Personal
Jorge Dalto: piano
Alfredo De La Fé: violín
Tito Puente: timbales, percusión
Carlos Patato Valdés: congas, percusión
Michael Viñas: bajo

 

ARTURO SANDOVAL "DEAR DIZ" BEST LATIN JAZZ ALBUM WINNER

 

Latin Grammy Awards 2012 - Best Latin Jazz Album Winner
Arturo Sandoval — Dear Diz (Every Day I Think of You)

More than 30 awards were given in the pre-telecast, which honored a variety of genres within Latin music. One of the biggest winners was Cuban jazz trumpeter, pianist and composer Arturo Sandoval who took home two trophies for best Latin jazz album ("Dear Diz - Every Day I Think of You") and best tango album ("Tango - Como Yo Te Siento").


Arturo Sandoval released his second album on Concord Jazz, Dear Diz (Every Day I Think of You). Dear Diz (Every Day I Think of You) is Sandoval's tribute to Dizzy Gillespie, the mentor and friend who literally rescued him and his family from an oppressive existence and gave them a chance at an entirely new and better life. The album is a collection of classics from Gillespie's massive body of work, each framed in big-band arrangements that throw the spotlight squarely on the elements of bebop that underscore so much of the iconic trumpeter's work and set the tone for the music of his era.

Backing Sandoval on the project is a crew of top-shelf jazz artists: vibraphonist Gary Burton, Yellowjacket's leader saxophonist Bob Mintzer, organist Joey DeFrancesco, clarinetist Eddie Daniels, saxophonist Ed Calle, drummer/co-producer Gregg Field and several others. Also along for the ride are a couple of unlikely but well-placed surprises - actors Andy Garcia on percussion and vocalist Manolo Gimenez. The resulting set is, as Field puts it, is Sandoval's "love letter to an old friend."

The set opens with Gillespie's voice, introducing a young Arturo Sandoval as "one of the young grand masters of the trumpet" during a live performance in the late ‘80s. What follows is a contemporary re-construction of Gillespie's signature "Bebop," arranged by 2012 Grammy-winner Gordon Goodwin. Goodwin, whom Field calls "The most interesting voice in contemporary big band writing," is also responsible for the fiery arrangement of "Salt Peanuts!," which features Bob Mintzer on tenor sax, Gary Burton on vibes and if you listen closely you'll hear Sandoval friend Joe Pesci joining in the band vocal. "This is such a perfect example of Gordon's genius," says Field, "of his ability to take something that is so familiar to jazz musicians and fans and completely rework it."

Dizzy's "Birks Works" is rechristened here with the tag "a la Mancini," thanks to the contributions of saxophonist Plas Johnson, who famously recorded Henry Mancini's iconic Pink Panther theme nearly 50 years ago. Album pianist Shelly Berg's arrangement utilizes alto flute, trumpet, tenor sax and strings - all of which further evoke the Mancini sensibility.

"Con Alma," arranged by Grammy-winner Nan Schwartz, includes a classical-string quartet arrangement that's a very beautiful thing," says Sandoval. "This tune has been recorded many times, but I don't think it's been recorded quite this way before. The string quartet gives the song such a fine, elegant sound."

The exotic and impassioned "Tin Tin Deo" features vocalist Manolo Gimenez , supported by Mintzer on tenor sax, by actor Andy Garcia on percussion, Wally Minko on piano and Joey DeFrancesco on organ - all carefully balanced in an arrangement by Dan Higgins. The album closes with an eleventh track, "Every Day I Think of You" a poignant, string-infused ballad by Sandoval that serves as the coda to this heartfelt tribute recording. Propelled by Sandoval's stirring vocals, the track veers completely away from the big band vibe that precedes it, opting instead for something much more intimate, understated and personal. "I really mean every word of that song," says Sandoval. "Dizzy encouraged me so much. He opened so many doors for me and showed me so many opportunities that I would not have had otherwise."

At the heart of Dear Diz (Every Day I Think of You) is the bebop groove that Gillespie spent a lifetime exploring and refining, says Sandoval. "When it comes to bebop, you either know it or you don't," he says. "There's no halfway. If you're going to be a good bebop player, you really need to be a hell of a musician with a lot of skill and a great education and a great command of your instrument. This is what Dizzy was all about. He wasn't just a trumpet player. He was an innovator and a creator. That sense of innovation and creativity that he brought to every note he played is what inspires this recording and everyone who plays on it. In that sense, he's still very much with all of us. I do think of Dizzy every day."

Below is the tracklisting:

1. Be Bop - Featuring Shelly Berg & Zane Musa

2. Salt Peanuts! (Mani Salado) - Featuring Bob Mintzer & Gary Burton

3. And Then She Stopped - Featuring Joey DeFrancesco

4. Birks Works (ala Mancini) - Featuring Plas Johnson & Joey DeFrancesco

5. Things To Com - Featuring Bob Mintzer, Bob Sheppard & Joey DeFrancesco

6. Fiesta Mojo - Featuring Eddie Daniels

7. Con Alma (With Soul) - Featuring The Ralph Morrison String Quartet

8. Tin Tin Deo - Featuring Manolo Gimenez & Wally Minko

9. Algo Bueno (Woody and Me) - Featuring Dan Higgins & Andy Martin

10. A Night in Tunisia (actually an entire weekend!) - Featuring Bob McChesney & Ed Calle

ENCORE

11. Every Day I Think Of You - Featuring Arturo Sandoval, vocal

Release Date: 08 May 2012
Label: CONCORD JAZZ
Genre: JAZZ
 http://www.concordmusicgroup.com/albums/Dear-Diz-Every-Day-I-Think-Of-You/

JACO PASTORIUS

El 1 de diciembre de 1951 nació en Norristown, Pennsylvania el músico de jazz Jaco Pastorius, para muchos el mejor bajista de jazz moderno de todos los tiempos. Aunque en su adolescencia empezó una prometedora carrera como atleta y jugador de fútbol americano, una lesión en la muñeca le hizo volcarse en su segunda afición, la música.

Comenzó tocando la batería pero la lesión de su muñeca motivó que eligiera un instrumento más cómodo por lo que se decantó por el bajo eléctrico. Extrajo artesanalmente los trastes de su Fender Jazz Bass y lo transformó en un 'fretless', variedad poco conocida y utilizada entonces, cuya sonoridad y técnica son más similares al contrabajo acústico y más dulce que el bajo eléctrico.

Jaco Pastorius (1976)

Sus primeras grabaciones las realizó en 1974 junto al entonces desconocido Pat Metheny y dos años después, gracias a la mediación de Bobby Colomby de Blood Sweat & Tears, consiguió firmar un contrato con CBS que le facilitó la grabación de su primer álbum en solitario, 'Jaco Pastorius' (1976). En él -considerado el mejor álbum de bajo grabado jamás- participaron pesos pesados de la escena del jazz de aquellos días como Herbie Hancock, Wayne Shorter, David Sanborn, Lenny White y Michael Brecker, entre otros.

Heavy Weather (1977)

Inmediatamente después fue invitado por Joe Zawinul a unirse a Weather Report con los que grabó seis álbumes entre 1976 y 1982 durante la etapa más creativa del grupo, a destacar los memorables 'Black Market' (1976), 'Heavy Weather' (1977), '8:30' (1979) y 'Night Passage' (1980). El álbum 'Word of Mouth' (1981), grabado cuando aún se encontraba en Weather Report, muestra su proyecto de big band, en el que demostró, además de su destreza con el bajo, su talento como arreglista y compositor.

Repetiría la fórmula en 'Invitation' (1983), ya en solitario. Con su banda realizaría giras y grabaría varios conciertos, como los contenidos en el álbum 'Curtain Call' (1986), subtitulado 'la última actuación en vivo en EEUU de Jaco Pastorius'. Sus últimas grabaciones las realizó con el batería Brian Melvin, recogidas en el álbum 'Jazz Street' (1989), publicado tras la muerte del bajista. A mediados de los años ochenta, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales, y se le diagnostica como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado para tratarse le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitó componer; o peor aún, directamente le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo.

Así que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas. Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos. Incluso le robaron el famoso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tantos años, mientras jugaba un partido de baloncesto en las canchas de la calle 54 en Nueva York. Durante esta época simplemente se dedicaba a jugar al baloncesto y a vagabundear por las calles, consumido por una depresión galopante.

El 11 de Septiembre de 1987, Pastorius, tras salir de la cárcel por robar un coche y conducirlo por una pista de atletismo (tampoco tenía permiso de conducir), intentó sabotear un concierto de Carlos Santana en el que tocaba en ese momento Alphonso Johnson, bajista a quien había sustituido once años atrás en Weather Report. Al ser obligado a abandonar el concierto, y en estado de embriaguez, Jaco se dirigió a un bar de la zona de donde fue expulsado también, tras alborotar y sabotear otro concierto que se estaba realizando. El vigilante de seguridad -cinturón negro de karate- le propinó tal paliza que lo dejó inconsciente y en estado de coma. Pocos días más tarde sufría un derrame cerebral que acabó con su vida. El vigilante finalmente fue condenado pero sólo cumplió 4 meses de los 5 años a los que le habían condenado. 
Jaco tenía 35 años.
 

 
 

JOSE CURBELO: UNO DE LOS MAS GRANDES MUSICOS CUBANOS DE TODOS LOS TIEMPOS

José Curbelo, uno de los pioneros de la música afrocubana en Estados Unidos y del jazz latino en general, falleció en la ciudad de Miami a los 95 años el pasado 21 de septiembre de 2012.

José Antonio Curbelo nació en La Habana en 1917. Perteneciente a una saga musical Curbelo llegó a dirigir la orquesta más solicitada de música hispana en Nueva York durante los años 40, dando la alternativa a músicos de la talla de Tito Puente, Tito Rodríguez, Mon Rivera o Ray Barretto. En diciembre de 1958 dejó, sin embargo, su actividad orquestal, para dedicarse a la interpretación de latin jazz mood y series instrumentales con un quinteto. Posteriormente fundaría la firma Alpha Artists, una de las empresas pioneras de la representación musical latina y que se mantuvo durante los años 60 y 70. Ya en los 80 se radicó en la ciudad de Miami.

Este es un extracto del libro Oye Como Va, de José Arteaga (editor de www.salsajazz.com), donde se narran sus comienzos como músico y el auge de su orquesta, que determinó también el auge de las grandes bandas latinas en Nueva York. El episodio transcurre justo antes de las llamadas Batallas de Bandas, donde Curbelo fur protagonista, y antes también de firmar un largo contrato en el famoso club China Doll.

"Machito regresó del frente de combate en octubre de 1943 con una pierna perforada por la metralla. Su puesto como cantante de los Afrocubans lo estaba esperando junto a la explosiva Graciela que, a cada concierto, se ganaba aún más la simpatía del público. Con ambos y con la dirección musical de Bauzá, los Afrocubans marcaron la ruta de la música latina en Nueva York a partir de ese momento. El epicentro de tal liderazgo fue, por supuesto, La Conga Club, por la que desfilaron varios alternantes, antes de arribar la una orquesta capaz de rivalizar con la banda de Bauzá: la de José Curbelo.

El nieto de Célido, hijo de José, conocía bastante bien a Bauzá, desde que este integrara la orquesta de su abuelo y además había seguido sus pasos uno a uno, pues desde muy joven profesaba verdadera devoción por el canto de Ella Fitzgerald. José Curbelo Junior se había criado en el ambiente musical de La Habana y había comenzado a estudiar piano a los ocho años con Pedro Menéndez y luego en el Conservatorio Molinas. A los quince años hizo su debut profesional y pasó en poco tiempo de la orquesta de los Hermanos Lebatard a la del flautista Gilberto Valdés, de esta a la Eddie Sastre y luego a la Habana-Riverside. Viajó de gira por América del Sur y cuando su carrera empezaba a despuntar, decidió irse para Nueva York.

Curbelo llegó a Ellis Island el 17 de mayo de 1939 y lo primero que hizo fue solicitar el carné del sindicato de músicos. Se lo dieron, pero no podía devengar ningún sueldo hasta pasados 30 días, de modo que tocó las puertas de un par de conocidos para que le dieran trabajo esporádico pagándole en negro. Su primer empleo fue en la Martinique, de la 57 con Sexta Avenida y un año después se fue a Miami para tocar tres meses en Brook Club. Regresó otra vez y en un lapso de dos años fue el pianista de tres grandes orquestas, la de Xavier Cugat, la de Juanito Sanabria y la de Oscar de la Rosa. Y así habría seguido de no haberse planteado, durante una gira con Cugat, que esa vida de gitano no era lo suyo.

Fundó una orquesta de nueve músicos en 1942 y obtuvo casi de inmediato su primer contrato para tocar en La Conga. Desde las 5 y 30 de la tarde y a un precio de un dólar con 50 centavos, se podía ver en La Conga el show de Curbelo en abierto duelo ante los Afrocubans de Machito. Eran las dos orquestas más en forma de comienzos de los cuarentas en la New York latina y sus duelos equivalían a verdaderos matchs de buena música.

La acogida de un público entusiasmado por la rumba, fue evidente, pero justo cuando mayor era su popularidad entre la comunidad latina, Curbelo decidió cambiar. Hasta entonces los temas que tocaba estaban llenos de melodía, pero carentes de fuerza en el ritmo, y esto último era lo que ofrecían a raudales los Afrocubans. Curbelo cerró una noche su actuación con el afro Managua Nicaragua, el tema mejor logrado de la orquesta. A continuación salió Machito irrumpiendo con el afro Nague, y la diferencia fue tan evidente que Curbelo no dudó un instante sobre su futuro.

El revitalizado Curbelo fue encontrando noche a noche un público distinto, cada vez menos latino, que se sentía profundamente atraído por el sonido afrocubano. Era la autenticidad musical lo que gustaba y el camino señalado por Bauzá era claro en tal sentido. Sin embargo, Curbelo necesitaba alejarse muy pronto de los Afrocubans para no quedar como un imitador de ellos, de modo que cambió su look, se hizo más elegante en su vestuario, más maestro de ceremonias que director, bromeaba en cada presentación y jugaba con el público. Acertó de lleno. En poco menos de un año ya era uno de los hombres más populares del ambiente musical de Nueva York.

No fue raro ver entonces a Curbelo en las fotos de las páginas sociales de los diarios neoyorquinos. En las notas se hablaba de su virtuosismo a la hora de tocar el piano, de su encantador sentido del humor, de sus éxitos en la venta de discos y de más de un romance con actrices de Broadway y bellas jovencitas de la alta sociedad. Ningún otro músico latino de Manhattan tuvo una presencia tan marcada como la de Curbelo. Su imagen pública estaba tan bien cuidada como la de Xavier Cugat, y su música no estaba lejos de la calidad de los Afrocubans y de otra gran orquesta de sorprendente sonido, que dirigía un pianista puertorriqueño llamado Noro Morales". 

Oye Como Va, José Arteaga. La Esfera de los Libros, Madrid, 2003.

Source: http://www.salsajazz.com

EDDIE PALMIERI RECIBE PREMIO JAZZ MASTER NATIONAL ENDOWMENT FOR THE ARTS 2013

La National Endowment for the Arts (NEA) de Estados Unidos anuncia los reconocimientos del año 2013 para los Maestros del Jazz NEA, el mayor honor de la Nación en el Jazz. En la lista figura el Mesías de la Música Latina, el maestro Eddie Palmieri. 

 

Eddie Palmieri para recibir más alto honor de la Nación en el Jazz, uniéndose a la lista de los 124 homenajeados previamente reconocidos en 2013 como un Maestro de Jazz de la National Endowment for the Arts.

Este año, los reconocidos Maestros del Jazz NEA son:

Mose Allison, pianista, cantante, compositor.- Nacido en Tippo, Mississippi, en la actualidad vive en Long Island, Nueva York.
Lou Donaldson, el saxofonista.- Nacido en Badin, Carolina del Norte, en la actualidad vive en Nueva York, Nueva York.
Lorraine Gordon, dueño de club de jazz.- Nacido en Newark, Nueva Jersey, actualmente vive en Nueva York, Nueva York. Es el destinatario de la AB 2013 Spellman NEA Jazz Masters Award para la Defensa de Jazz, que se otorga a un individuo que ha contribuido significativamente a la apreciación, el conocimiento y el avance del arte del jazz.
Eddie Palmieri, pianista, director de orquesta, arreglista, compositor. Nacido en Nueva York, Nueva York, actualmente vive en Las Vegas, Nevada. Conocido como uno de los pianistas de jazz latino más influyente de los últimos 50 años, Eddie Palmieri también se conoce como un director de orquesta de jazz, tanto como de salsa. Su forma de tocar con habilidad fusiona el ritmo de Puerto Rico con la melodía y la complejidad de sus influencias del jazz: Thelonious Monk, el NEA Jazz Masters Herbie Hancock y McCoy Tyner.

Los padres de Palmieri emigraron de Ponce, Puerto Rico, a Nueva York en 1926. Eddie creció en el Harlem español, que también era conocido como "El Barrio" debido a su gran comunidad latina. Palmieri aprendió a tocar el piano a una edad temprana, ya los 13, se unió a la orquesta de su tío, tocando los timbales.

La carrera profesional de Palmieri como pianista se inició en la década de 1950, cuando tocó con varias bandas: Orquesta de Eddie Forrester, la banda de Johnny Seguí, y la popular orquesta de Tito Rodríguez. En 1961, Palmieri formó su propia banda, La Perfecta, que contó con una línea convencional de los trombones en vez de las trompetas habituales en las orquestas de la época. Esto creó un sonido innovador que mezclaba el jazz americano con los ritmos originales latinos, lo cual alborotó a los críticos y aficionados por igual. La Perfecta de Palmieri se disolvió debido a dificultades financieras en 1968, a pesar de que volvería a la música de la banda en la década de 2000.

Palmieri perfeccionó sus habilidades como productor en la década de 1970, con la aparición de varias grabaciones impresionantes que reflejan su enfoque poco ortodoxo de la música, como la revolucionaria realización de 1970 Harlem River Drive, en que se fusionó las categorías musicales en un sonido libre que incluyen aspectos de la salsa, el funk, el soul, y jazz. En 1975, Palmieri ganó el premio Grammy por primera vez (de nueve premios Grammy que ha ganado en total hasta la fecha, dos de ellos por su grabación al lado de Tito Puente, Obra Maestra / Masterpiece) a la Mejor Grabación de América por su álbum El Sol de la Música Latina.

En 1988, el Museo Nacional del Instituto Smithsoniano de Historia Americana en Washington, DC, grabó dos de los temas de Palmieri para sus archivos. Debido a la proclividad de Palmieri para crear y llevar a cabo producciones en el estilo funk latino, Little Louie Vega le invitó a grabar en Nuyorican Soul (1997), una versión que se hizo muy popular en la casa y las escenas underground de música.

Además de los premios Grammy, Palmieri ha recibido numerosos honores, incluyendo el Premio Eubie Blake (1991), el Premio por Desempeño América más emocionante, presentado por la BBC de Londres (2002), Premio Chubb de la prestigiosa Universidad de Yale para las comunidades por su trabajo a través de la música (2002), el Premio Renacimiento de Harlem (2005), el Jay McShann Lifetime Achievement Award (2008), junto con la inducción de Palmieri en el Salón de la Fama del Jazz de Oklahoma. Un año más tarde, la Biblioteca del Congreso agregó la composición Palmieri "Azúcar Pa Ti" en el Registro Nacional de grabación.

En 2012, Palmieri no mostró signos de desaceleración, la creación de su primera partitura original para el documental Doin 'It en el Parque, que explora la influencia cultural de baloncesto de patio de juegos en los deportes y la música.

Alguna discografía seleccionada:

• Y su Conjunto La Perfecta, Alegre, 1962
• Eddie Pamieri y Cal Tjader, Bamboleate, Fania de 1967
• El Sol de la Música Latina, Varese, 1973
• La Perfecta II, Concord Records, 2002
• Listen Here!, Concord Records, 2005

Fuente:

http://www.nea.gov/honors/jazz/2013-NEA-Jazz-Masters-Announced.html

http://eddiepalmierimusic.com/

Acerca de NEA Jazz Masters:

Cada año desde 1982, la Fundación Nacional de Arte (NEA por sus siglas en inglés) ha otorgado el Premio NEA Jazz Masters a leyendas vivientes que han hecho grandes contribuciones al jazz. Con esta nueva promoción, 128 premios han sido otorgados a grandes figuras del jazz en los Estados Unidos, incluidas las de Count Basie, George Benson, Art Blakey, Dave Brubeck, Betty Carter, Ornette Coleman, Miles Davis, Roy Eldridge, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Herbie Hancock, Elvin Jones, John Levy, Abbey Lincoln, Max Roach, Sonny Rollins, Cecil Taylor, Sarah Vaughan, Nancy Wilson y Teddy Wilson. 

Los Maestros del Jazz NEA son seleccionados entre los candidatos presentados por el público para recibir una beca de una sola vez de $ 25.000, además son honrados en una ceremonia de premios. Asimismo, podrán participar en el NEA-patrocinando actividades educativas. 173 nominaciones fueron considerados para los Jazz Masters 2013 NEA. Sólo los músicos de jazz que viven podrán ser propuestos para el honor de Maestros NEA del Jazz.

SEPTIMA EDICION FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE BARQUISIMETO

El Festival Internacional de Jazz Barquisimeto llega a su séptima edición, consagrado ya como un referente de la mejor música en vivo, ha logrado consolidar un espacio cultural de altísima calidad que trasciende y convoca a grandes exponentes en diversas corrientes, a nivel nacional e internacional, tejiendo lazos que logran unir clases, etnias y géneros a través de la difusión de la expresión artística universal como lo son el Jazz y las nuevas tendencias de la música venezolana. La Fundación que organiza este magno evento, ha realizado producciones y excelentes conciertos, ratificando a nuestra ciudad como “Capital del Jazz” en Venezuela, llegando a convertirse en un verdadero atractivo para el Turismo cultural nacional e Internacional para los amantes de la buena música.

En esta séptima edición deseamos destacar que el objetivo de la Fundación, además de presentar un cartel artístico con reconocimiento mundial, ha puesto especial énfasis en el componente pedagógico, lo cual ha permitido consolidarse como una plataforma cultural multidisciplinaria. En tal sentido, quien viene ejecutando líneas de acción en esta importante área es el reconocido guitarrista, compositor y productor musical Aquiles Báez como Director Académico de La Fundación, con el fin de fortalecer el desarrollo integral y la formación cultural de los niños y jóvenes talentosos del país. Este septiembre, Barquisimeto será la Capital del Jazz en Venezuela, encuentro que nuevamente ofrecerá el espacio vital para compartir y expresar los valores de igualdad, solidaridad, dignidad y de la paz a través del Jazz.

ARTISTAS INTERNACIONALES

MICHEL CAMILO (Estados Unidos): 7 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm Afamado y versátil pianista de origen Dominicano, que se desempeña con gran talento y pasión entre la música académica y el Jazz Latino. Ha sido acreedor de importantes reconocimientos en el ámbito académico, ganador de un premio Emmy y dos Grammys. Ha realizado excelentes trabajos discográficos (más de 22 álbumes de su producción), ha participado en otras producciones acompañando a grandes del jazz como Paquito D’Rivera, Dizzy Gillespie, Ketama, Urszula Dudziak, Chuck Loeb, entre otros. Michel Camilo fue uno de los músicos homenajeados en el documental Calle 54 del director español Fernando Trueba. Reconocido en República Dominicana con los más altos honores nacionales.

FRANCESCO CAFISO (Italia): 7 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm. Excelente saxofonista considerado como embajador del Jazz de su país Italia, fue prácticamente descubierto por el gran Wynton Marsalis con quien ha compartido escenario en giras completas. Ha sido acreedor de importantes reconocimientos en su país y el mundo como el Premio Nacional de Urbisaglia, el Premio Eurojazz en Lecco, el Premio a la Organización Internacional de Jazz de Festivales de Nueva York, el Concurso Mundial de Saxofón en Londres, el Django d’Or en Roma y muchos otros. Cafiso ha actuado con músicos de renombre mundial: Hank Jones, Dave Brubeck, Cedar Walton, Jonathan Batiste, Ronnie Matthews, Jimmy Cobb, Ben Riley, Ray Drummond, Reggie Johnson, Doug Sides Lewis Nash, James Williams, JoeLovano. Estará acompañado de Dino Rubino (trompeta y fliscorno), Giovanni Mazzarino (piano) y Marco Micheli (contrabajo). http://www.francescocafiso.com/
 

ANTONIO ARNEDO (Colombia): 8 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm Talentoso saxofonista colombiano, que ha realizado excelentes trabajos discográficos como «Travesía», «Orígenes», «Encuentros» y «Colombia» donde explora ritmos folklóricos nacionales sobre un amplio concepto de jazz. Realizó estudios en el conservatorio de música de la Universidad Nacional y en el Departamento de música de la Universidad Javeriana. Estudia saxofón luego con Joseph Viola, William Pierce, George Garzón y Jerry Bergonzi. Fue seleccionado para el concurso mundial de saxofón del Thelonious Monk Institute y el Smithsonian Institute de Washington. Becado por el Berklee College of Music, es docente en su país y lidera actualmente el Colectivo Colombia, que reúne diversos proyectos unidos por la pasión por la música colombiana en su mezcla con instrumentos de jazz. Le acompañarán Juan Pablo González Tobón (guitarra), Urián Vladimir Sarmiento Obando (batería) y Julián Gómez García (bajista).

EDDIE GOMEZ (Estados Unidos): 8 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm Reconocido contrabajista, arreglista, compositor y productor musical oriundo de Puerto Rico. Reconocido como uno de los grandes virtuosos del contrabajo en el ámbito del jazz contemporáneo. Desde hace cuatro décadas recorre el mundo presentándose en importantes escenarios, tanto en calidad de acompañante de prestigiosos instrumentistas como encabezando agrupaciones propias. Paralelamente ha desarrollado una extensa discografía. Se ha presentado con grandes maestros como Benny Goodman, Bill Evans, Jeremy Steig, Miles Davis. Paralelamente ha desarrollado una extensa discografía. Cabe destacar que desde 1996 a 1997 el maestro Eddie Gómez ofreció 40 conciertos en Japón y en 1998 realizó una gira por Europa. Estará acompañado de Stefan Karlsson (piano) y Billy Drummond (batería).

RAMON VALLE (Cuba Holanda): 8 de septiembre de 2012, Tiuna, 9.00 pm. Consolidado como una de las grandes presencias pianísticas de la escena cubana y latinoamericana y gracias a su participación en importantes festivales de todo el planeta, Ramón Valle se muestra como una de las grandes promesas del Jazz en el mundo. Se le puede conocer por sus excelentes producciones discográficas (más de 7 hasta el momento) donde ha trabajado junto a grandes artistas como Perico Sambeat, Horacio “el Negro” Hernández y Roy Hargrove. Ramón Valle, posee una sólida formación de música clásica, su estilo pianístico está definido por tres grandes maestros del piano, Keith Jarrett, Chick Corea y Herbie Hancock. Valle ha sido reconocido por el mismísimo Chucho Valdés, como “El talento más grande de la última generación de pianistas cubanos”. Estará acompañado de Omar Rodríguez Calvo (contrabajista), Martijn Van Iterson (guitarra) y Owen Hart Junior (batería). http://www.youtube.com/watch?v=5xtHaJuMsDI

LUPA SANTIAGO (Brasil): 9 de septiembre de 2012, Sambil, 5:00 pm. Reconocido guitarrista y pedagogo de Brasil. Lupa Santiago, egresado del Berklee College of Music, será invitado especial en la presentación del Maestro Aquiles Báez en el gran cierre del Festival. Lupa posee un Master del Conservatorio de Boston/Berklee College of Music y actualmente es el Director Académico del Conservatorio Souza Lima, la mejor escuela de música moderna, brasileña y de Jazz. Tiene en su haber nueve discos compactos y ha colaborado en producciones y conciertos de músicos connotados como: Jerry Bergonzi, Bill Pierce, Jaleel Shaw, Dave Liebman, Howard Levy, Gary Willys, Magos Herrera, Oscar Stagnaro, Phil De Greg, Bob Kaufman, Vardan Ovsepian, Jarmo Savolainen, Phil Wilson, Markku Ounaskari, Fernando Brandão, Banda Mantiqueira, Nelson Faria, Fernando Corrêa, Sizão Machado, Vinicius Dorim, Bob Wyatt entre otros.

ENSAMBLE DEL BERKLEE COLLEGE OF MUSIC: (Panamá, México, Venezuela): 6 de septiembre de 2012, Sala Alternativa de El Impulso, 6:00pm Esta agrupación la dirige Santiago Bosch, pianista y compositor barquisimetano, quien actualmente está cursando sus estudios en el Berklee College of Music luego de obtener una beca por su excelente desempeño en una audición que realizó en el Panamá Jazz Festival. Recientemente, Terri Lyne Carrington, profesora y reconocida baterista norteamericana seleccionó a Bosch como pianista en un ensamble de estudiantes, donde demostró una alta capacidad interpretativa. Bosch inició su carrera con el instrumento desde niño y ha participando en cuatro Ediciones del Festival Internacional de Jazz de Barquisimeto. Bosch dejó de ser una promesa para convertirse en un destacado pianista internacional, siendo hoy orgullo de Lara. El Ensamble está formado por Jahaziel Arrocha en el saxo (Panamá), Juanale Saenz en la batería (México) y Danny Anka en el bajo (Venezuela).

ARTISTAS NACIONALES

AQUILES BAEZ (Caracas-Venezuela): 9 de septiembre de 2012, Sambil, 5:00 pm. Guitarrista, arreglista, compositor y productor musical. Estudió en el Conservatorio de Música Simón Bolívar de Caracas, el Conservatorio de Nueva Inglaterra y el Berklee College of Music, ambos en Boston. Ha grabado con reconocidos artistas venezolanos y extranjeros como Serenata Guayanesa, Paquito D’Rivera, Danilo Pérez, John Patitucci, Ilan Chester, Romero Lubambo, Fareed Haque, Simón Díaz, Solo Razaf, Marco Pereira, Oscar Stagnaro y Ensamble Gurrufío y ha hecho giras por países de América, Europa y Asia, se ha presentado en el Lincoln Center de Nueva York, el Kennedy Center de Washington, el Sydney Opera House de Australia y el Teresa Carreño de Venezuela. Ha recibido numerosos premios por sus arreglos y composiciones en discos, cine y teatro. Ha trabajado para diversas instituciones de enseñanza en Europa, los EEUU y Venezuela. Estará acompañado de Adolfo Herrera (batería) y Roberto Koch (contrabajo) e invitados especiales como Fabby Olano, entre otros.

ENSAMBLE DE JAZZ SIMÓN BOLÍVAR (Caracas-Venezuela): 2 de septiembre de 2012, Sala Alternativa Juan Carmona. 11:00 am Nace del seno de la Simón Bolívar Big Band Jazz y comienza a hacer presentaciones desde el año 2010. Sus aventajados integrantes son dirigidos por el reconocido baterista Andrés Briceño y han brindado conciertos en UNEARTE, Teatro Corpbanca, en San Antonio de los Altos, entre otros. Seleccionaron para su repertorio temas como: “Giorgia on my mind” de Ray Charles y “Killing me softly with his song” de Charles Fox y Norman Gimbel, entre otras. El Ensamble de Jazz Simón Bolivar lo integran: Christian Montilla (saxo), Klender Rosales (trombón), Rubén Paiva (contrabajo), Orlando Molina (guitarra), Gabriel Cherkarji (piano) y Linda Briceño (trompeta y vocal).

SIMON BOLIVAR BIG BAND JAZZ (Caracas-Venezuela): 2 de septiembre de 2012. Hotel Jirahara, 6:00 pm. Nace en noviembre de 2007, bajo la dirección del baterista venezolano Andrés Briceño y del profesor Valdemar Rodríguez, con el propósito de fomentar y difundir el género jazz en Venezuela. La agrupación está conformada actualmente por 40 jóvenes, todos estudiantes del Conservatorio de Música Simón Bolívar (CMSB), adscrito al Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. Participaron en la Cuarta Edición del Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2009, y en Colombia en el IX Encuentro de Creadores de Jazz Fusión y Experimental Ajazzgo 2009 y en el Festival Jazz Al Parque de Bogotá. La SBBBJ tiene entre sus integrantes una destacada cantante y trompetista venezolana; Linda Lee Briceño quién ha participado en varios festivales de jazz, entre los que cuentan el Festival de El Hatillo, el Festival del Ateneo de Caracas y el Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto. Participó como trompetista en el álbum Tocando Tierra, donde compartió con músicos como Bela Fleck, Don Grusin, Alex Acuña, Pedro Eustache y Abraham Laboriel, entre otros. http://www.youtube.com/watch?v=LF3hgoU9Q5o

FLY BAND JAZZ (Lara-Venezuela): Es un proyecto que nace en Lara recientemente, que surge de la empatía musical entre Rafael Pineda (saxo) y Alí José Rodríguez (batería), cuya idea es formar una banda que les permitiese expresar el Jazz en todas sus manifestaciones, así como también, la fusión de otras tendencias musicales con este género. Rafael, cursa estudios de teoría y solfeo en el Conservatorio Vicente Emilio Sojo, estudios de saxo alto y tenor con el maestro Euclides Morillo, el Profesor Manuel Merette y Severiano Giménez, esto le permite perfeccionar la técnica adquirida. Alí perteneció a la Orquesta Sinfónica Jacinto Lara, previo estudios de Batería con el maestro Pablo Gutiérrez, con el maestro Gerardo López. Fundador, director y compositor de la Banda Barquisimetana “Jaleo”. Fly Band Jazz se ha presentado en la Sala Alternativa de El Impulso y ofrece un amplio y exquisito repertorio de Standard de jazz y temas propios del grupo. Los otros integrantes son: Daniel Sequera (piano y teclado), Sebastián Polanco (bajo) y como músico invitado, Amado Méndez (percusión).

BARQUISIMENTO BIG BAND JAZZ (LARA - VENEZUELA): Fundada en Marzo del año 2010, esta novel Big Band está constituida por 33 jóvenes músicos estudiantes de las cátedras de trombón, trompeta, saxofón, piano, bajo, guitarra y percusión del Conservatorio de Música Vicente Emilio Sojo, así como nuevos talentos de la vida musical de Barquisimeto. Dirigida por el reconocido músico Eduardo Betancourt, bajo el auspicio del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles, y coordinada por Alfredo D’ Adona. La Barquisimeto Big Band Jazz debutó en la 6ta. Edición del Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2011 presentando un repertorio clásico de blues, el latín jazz y temas contemporáneos. Esta banda, promesa del género en la ciudad, se presentó ante un gran número de asistentes, ejecutando por casi dos horas y en perfecta armonía temas emblemáticos del Jazz, donde también fusiona ritmos latinos que convierte al jazz en un género complejo y ovacionado en todo el mundo. PANDIJAZZ (Lara-Venezuela): 6 de septiembre de 2012. Centro Comercial Metrópolis. Agrupación infantil que nace del interés de Norbelis Lameda y Gerardo Crespo por cultivar la cultura jazzística en la educación musical infantil de Barquisimeto. Los integrantes de esta agrupación han participado en los diferentes talleres de Jazz para niños y niñas impartidos en el marco del Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto, dictados por excelentes maestros, motivando así a sus compañeros a unirse a la misma. PANDIJAZZ trabaja con el lema “Jugamos a hacer Jazz”, con esta inspiración han completado un repertorio con temas tradicionales del jazz de compositores como Duke Ellington, Thelonius Monk y Antonio Carlos Jobim. Actualmente Pandijazz ha realizado diversos conciertos en la ciudad y tiene invitaciones futuras para participar en distintos eventos de la región. Pandijazz está conformado por un grupo de 10 niños ejecutantes de instrumentos como la trompeta, trombón, clarinete, guitarra, bajo, piano, batería y voz principal.

PROGRAMA DE BECAS 2012:

La Fundación Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto, con el objetivo de contribuir a la capacitación y formación integral de estudiantes venezolanos de bajos recursos, destina parte de sus fondos a estructurar y consolidar cada año el Programa de Becas para seminarios y talleres intensivos, cuya duración es de 8 a 10 días, para lo cual ha realizado importantes convenios con prestigiosas instituciones educativas en el ámbito de la música. Esta convocatoria está dirigida a estudiantes de música, instrumentistas que se inscriban y cumplan con los requisitos indicados en nuestra página Web www.barquisimeto.com y posteriormente asistan a los talleres y audiciones de aspirantes que coordinará el Maestro Aquiles Báez a realizarse los días 5 y 6 de Septiembre en la sede de Cortulara, frente al Teatro Juares en la ciudad de Barquisimeto, en el marco de la 7a. edición del Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2012. Este año estarán presentes los representantes de las academias invitadas para el otorgamiento de un total de 40 Becas que se efectuará el día viernes 7 de septiembre en el Teatro Juares, distribuidas de la siguiente manera: 18 para Brasil, 6 para Bogotá, 6 para España, 10 en Venezuela. Las 5 Instituciones educativas que participan en el Programa de Becas de la Fundación:

TALLER DE JAZZ CARACAS (Caracas-Venezuela): Una institución educativa, dirigida por reconocidos músicos y docentes Oscar Fanega y Luca Vicenzetti, quienes brindan una preparación completa para aquellos estudiantes interesados en todas las tendencias de la música actual. La estrategia es darle un mayor énfasis a la práctica está basada en el concepto de que no es útil tener un conocimiento teórico si no se tiene la capacidad de aplicarlo, de ahí la prioridad son los talleres de ensamble en donde el alumno podrá aplicar directamente toda la información que recibe en las demás materias de nuestro pensum tales como lenguaje musical, armonía, arreglos y por supuesto las clases individuales de instrumento, además de una variedad de materias electivas. Esta institución venezolana, que se caracteriza por ser una de las pocas que se ocupan de impartir educación en este género musical ha realizado un importante convenio con la F.F.I.J.B. para otorgar este 2012 diez (10) becas para talleres intensivos.

OFICINA DE MUSICA DE CURITIBA (Brasil): Esta institución en alianza con la F.F.I.J.B.otorgó (6) becas en el año 2011 y para este año tienen previsto conceder otras seis más a jóvenes venezolanos. Es un seminario (taller) de música que desde hace treinta años se lleva a cabo en la ciudad de Curitiba, Brasil la última semana de enero de cada año. La Oficina de Música de Curitiba ofrece talleres de música académica, música antigua y música popular. Dirigida por grandes músicos brasileros dedicados a la docencia, tiene un evento de duración de 10 días, con la participación de más de 1.500 estudiantes de diversos ámbitos musicales y profesores de todos los continentes, lo que crea un espacio idóneo para la enseñanza y aprendizaje de la música de forma integradora, social y que estimula la fraternidad entre artistas de distintas culturas y procedencias.

EMMAT (Colombia): En el 2011 EMMAT otorgó 5 Becas para un seminario a estudiantes venezolanos que participaron en el convenio con la F.F.I.J.B., para este año 2012, la Fundación ha realizado un convenio para otorgar 6 becas de EMMAT a fin de realizarlas la primera semana de julio de 2013. La misión de la Escuela de Música Moderna, Audio y Tecnología es educar, entrenar y formar a nuestros estudiantes como personas íntegras y de excelencia en los campos de la música contemporánea, la producción musical, la industria de la música y las artes audiovisuales. Fue fundada por egresados de Berklee College of Music y el Art Institute of New England y abre sus puertas a jóvenes y adultos para formar talentos en música contemporánea. Se caracteriza por impartir la enseñanza musical a través de un método revolucionario en la enseñanza de la música moderna.

CONSERVATORIO SOUZA LIMA (Sao Paulo, Brasil): Conservatorio Souza Lima es una de las instituciones más prestigiosas de su país en la educación musical. Ofrecen programas en niveles avanzados intensivos y semi-intensivos en la música brasileña, jazz y estilos contemporáneos, en todos los instrumentos. Mantiene un acuerdo de homologación con el Berklee College of Music. Actualmente se encuentra bajo la dirección del profesor Antonio Mario da Silva Cunha, y la coordinación del Profesor Lupa Santiago, quienes estarán otorgando las Becas a los estudiantes seleccionados en la audiciones que se realizaran del 5 y 6 de septiembre. El convenio realizado con la Fundación Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto, para este año 2012 permitirá el otorgamiento de doce (12) becas a músicos jóvenes venezolanos de bajos recursos para realizar un Seminario la primera semana de Febrero de 2013. http://www.souzalima.com.br/

SEMINARIO INTERNACIONAL DE JAZZ DE ALHAURÍN DE LA TORRE (Málaga, España): Un seminario anual dictado por músicos de gran trayectoria y reconocimiento mundial como Davis Kikoski, Ben Street, Steve Grossman, Gregory Hutchintson, entre otros. A comienzos de este año se estableció un convenio con la F.F.I.J.B. para conceder 6 becas a músicos venezolanos en marzo de 2013, donde podrán participar en clases de instrumentos, clases magistrales, combos, conciertos de alumnos y profesores, Jam sessions. Este seminario cumplió exitosamente con su octava edición y su productora Yesenia Zambrano, le ha brindado la oportunidad a los músicos larenses a participar en su próxima edición en marzo del 2013.

La mesa está servida para este suculento banquete musical, aplaudimos los espacios de difusión a la cultura y los invitamos a disfrutar del Festival Internacional de Jazz 2012.

SOURCE:  http://barquisimeto.com/

                 http://barquisimetojazz.com/

 

QUE CANTE HECTOR LAVOE " LA VOZ "

 

Cuando a finales de 1973 Willie Colón toma la decisión de disolver su banda, su cantante Héctor Lavoe se vio de repente en una encrucijada. Por más apoyo que tuviese de Fania Records (Johnny Pacheco vio allí la oportunidad perfecta para lanzarlo como solista, tal y como había hecho meses atrás con Ismael Miranda), por más apoyo que tuviese de la misma orquesta, que decidió permanecer unida alrededor del cantante; por más apoyo que le ofreciese Willie en la tarea de producir nuevas composiciones, Héctor de repente se dio cuenta de que tenía ante sí un reto bien complicado.

No se reseña en ninguna parte que él haya dudado ante ese cambio en el destino. Pacheco estaba más que dispuesto en apoyarlo, y Jerry Masucci transitaba aún esa etapa en la que parecía confundirse con un Rey Midas. Lavoe nunca fue de esa clase de hombre que se amilana ante los retos; tenía un ego bien administrado. Pero no es lo mismo ser el cantante de una orquesta, y que sea otro el que se trague las negociaciones y las faltas y las pagas y los ensayos, a pasar a ser cantante de la orquesta... y también el responsable. Lavoe, sin embargo, tuvo suerte. El grupo de músicos que Willie Colón había forjado era muy homogéneo, consolidado, contaba con varios discos a sus espaldas y centenares de toques. Y la buena recepción que había tenido Héctor en los últimos conciertos efectuados por Fania All Stars en Estados Unidos y Puerto Rico facilitaría la tarea de promocionarlo como cantante. Poseía un gran arraigo entre la gente por la forma como enfrentaba el montuno. Porque Héctor -ahí viene un lugar común- fue uno de los pocos cantantes de su generación capaces de transpirar la cotidianidad del barrio en cada uno de sus soneos; representó como pocos a ese gueto latino que trataba de no ahogarse en la ciudad de Nueva York. Ese gueto que, por extensión, terminó siendo muy similar a los barrios marginales de cualquier ciudad grande del Caribe.

Héctor Lavoe era un jíbaro, venido de Puerto Rico que nunca se preocupó por hablar bien inglés. Desde finales de los años 60 había estado coqueteando con ese terrible flagelo de la heroína -importada por los veteranos de Vietnam- y, debido justamente a ella y los desórdenes que producía, tenía fama de poco cumplidor: casi siempre llegaba tarde a los conciertos, aunque luego fuera capaz de estar cantando en uno y otro afterhours hasta las 10 de la mañana. Héctor era la representación del varón de barrio y por eso su fama comenzó a crecer como la espuma. Una vez roto el matrimonio con Willie, era necesario hacer un disco que le sirviese de presentación oficial como nuevo showman de la expresión. En Fania decidieron que había que sacarlo antes de que terminase 1974. Para Lavoe fue, además, la oportunidad perfecta para demostrarse a sí mismo, y a su familia, que era capaz de ser una persona de éxito.

Con Willie Colón como productor, más relajado por no tener que cargar con una banda a cuestas, la realización de La Voz, que finalmente fue publicado en el 75, reunió los mejores ingredientes. La banda que participó en las sesiones de grabación estaba compuesta por el legendario Tom Malone y el brasileño José Rodrigues en los trombones, Milton Cardona en las congas, José Mangual Jr. en los bongós, Eddie guagua Rivera en el bajo y Nicky Marrero en los timbales. Héctor decidió añadirle dos trompetas (como homenaje al sonido de Arsenio Rodríguez y al que Eddie Palmieri se había abrazado seis años antes), y para eso llamó a Ray Maldonado y a Héctor bomberito Zarzuela. Para su primer disco, decidió también que estuviese en el piano ese trágico portento llamado Mark Diamond, que había tocado en el segundo y tercer discos de Willie y pudo haber llegado a codearse con Eddie Palmieri, sino fuese porque sucumbió a las malas mañas de las drogas y desapareció del mundo musical neoyorkino en 1976 para nunca más volver. Lastimosamente. En los coros están Rubén Blades, Willie García, además del propio Willie y el propio Héctor. El disco fue grabado en vivo -a la vieja usanza- en los Good Vibrations Sound Studios de Broadway, aunque dichos coros fueron añadidos posteriormente. Jon Fausty estuvo en la consola.

La selección de temas es muy interesante. Si los seguidores de Lavoe esperaban irreverencia a secas, se sorprendieron por la cantidad de temas de corte amoroso: tres boleros (uno de ellos, Tus ojos, que es estupendo) y una guaracha; más dos canciones de corte religioso, una dedicada a su isla querida Borinquen y otra a sus seguidores. Un álbum redondo que alcanzó el disco de Oro a las pocas semanas y que le permitió ser reconocido como el mejor cantante de salsa en Nueva York ese año.

El disco empieza con El Todopoderoso, un guanguancó que cuenta con unos singulares arreglos gregorianos -sí, gregorianos- en los metales y una canción que raya en la salsa evangélica, pero se salva de la picota gracias al rápido montuno de Héctor y a esas trompetas bien arregladas por Colón que le dan una armonía pegajosa al tema, muy apta para el baile. Emborrachame de Amor es ese canto amoroso necesario que tanto le gustaba afrontar (era fanático de la voz de Vicentico Valdés y Santos Colón), con un arreglo tal vez un poco preciosista, pero que no desentona con el resto de la grabación. Paraíso de Dulzura, un mambo compuesto por el propio Lavoe, es un saludo a su tierra, una prueba más de que su exilio a la gran ciudad no fue más que por las ganas que tenía de alcanzar la fama (de hecho, nunca llegó a sentirse neoyorkino). Y a continuación Un Amor de la Calle, bolero desplante como pocos y que Héctor canta con mucha solvencia y madurez. Y eso que aún no había cumplido los 30 años.

El siguiente tema es un son montuno con muchísima fama: Rompe Saraguey, un cover del éxito de los años cincuenta compuesto e interpretado por Félix Chappottín. Canción santera como la que más, incluye un extraordinario solo de Dimond que dura más de dos minutos; un solo de piano casi sin parangón. Tanto así que es uno de los pocos solos salseros capaces de ser recordado por cualquier bailador, quien lo tararea y se lo vacila como si fuese parte de la letra, parte del montuno, parte de la voz. En ella, el soneo de Lavoe alcanza cotas nunca vistas en ninguna de sus grabaciones posteriores. El arreglo de José Febles hace el resto, y un corto pero contundente solo de trompeta de bomberito se encarga del resto. Solamente por esta canción vale la pena ubicar a este disco entre los mejores de toda la expresión salsera de todos los tiempos.

Mucho Amor es una bomba con pinceladas de guaracha que puede pasar sin pena ni gloria, y Tus Ojos es un bolero muy bueno, lento, casi pesado, traído del enorme arsenal musical cubano. Y cierra el álbum una canción que con el paso del tiempo se convertiría en una de las signatures de Héctor: Mi Gente, una festiva guaracha compuesta especialmente para él por Pacheco, ideal para su lanzamiento como solista, y que vio por primera vez la luz en ese legendario concierto de la Fania All Stars en el Coliseo Roberto Clemente de Puerto Rico, en 1973, y posteriormente en las presentaciones que realizaron en Africa. Había que grabarla en estudio, sumarle un estupendo solo de trompeta de Maldonado, coros festivos y esos giros en el soneo que la convertirían en un clásico inmediato

Oigan, mi gente

Lo más grande de este mundo

Siempre me hacen sentir

un orgullo profundo.

Los llamé

no me preguntaron dónde

Orgullo tengo de ustedes

Mi gente siempre responde

Vinieron todos

para oírme guarachar

Pero como soy de ustedes

Yo los invitaré a cantar

Conmigo sí van a bailar

Que cante mi gente

Otro motivo más para subir este álbum a los altares de la salsa.

El disco fue un exitazo rotundo, un clásico automático. Está considerada por muchos la mejor producción de Lavoe, porque transpira la esencia real del cantor ponceño. En ella se puede escuchar a Héctor en plenas facultades, cuando los excesos de su vida aún no le habían pasado factura. Fue, además, la mejor demostración de que él había surgido, de que una persona del arrabal de Puerto Rico, como él, podía llegar a las alturas de la fama y tener la portada de un disco para él solo.

 

Si ya con Colón Héctor había alcanzado un considerable reconocimiento, con esta producción Disco de oro y millonaria en ventas comenzaría a gestarse el mito del Cantante de los Cantantes Hector "La Voz".

FALLECIO LA LEYENDA DEL CUATRO YOMO TORO

Por más de sesenta años presentó con prominencia el instrumento nacional de Puerto Rico, “el cuatro” al mundo entero. El guitarrista de renombre internacional reconocido como “El Rey del Cuatro” Yomo Toro falleció el 30 de junio del 2012 a las 11:40 pm después de estar internado en un hospital de Nueva York por más de un mes por insuficiencia renal.

Rodeado en un abrazo espiritual de amor y música que sus familiares y amigos le mantuvieron a su entorno en vigilia las 24 horas, el músico de 78 años de edad, Yomo Toro es sobrevivido por su esposa Minerva casados por más de 31 años, su primera hija Denise Toro, sus hermanas Irma, Iris, Mirza y Milagros Toro, juntos a sus cinco nietos: Miriam Olivera, Martin Olivera, Denise Pinedo, Tiffany Pinedo & Denise Patricia Vélez y los tres tataranietos: Shaun Donate, Cloe Rodriguez and Martin Olivera. Sus hermanos Juan, Angel y Arcangel Toro quienes también estaban a su lado.

Desde los primeros sonidos vibrantes de su pequeña guitarra de diez cuerdas, momentos que paran los pelos corrieron a través de los brazos, espalda y cuello del público cuando el diminutivo seductor musical Yomo Toro montuniaba y con sus solos rascaba los cielos con arpegios celestiales, sus deditos gorditos volando por géneros musicales como las plenas, seis, y bombas de su país natal Puerto Rico hasta la salsa, jazz, rock, guitarra clásica y flamenco. El virtuoso interpreto estilos eclécticos entre esas manos angelicales que a través de largos solos recogía su trayectoria musical.

Nacido en el barrio Ensenada de Guanica, Puerto Rico a los cinco años Yomo utilizó una caja como un refuerzo para poder treparse para tocar la guitarra de su papá que colgaba en la pared. Fue sorprendido por su padre Alberto que, en lugar de enojarse, le pidió al niño apodado “Yermo” que volviera a la caja y siguiera tocando la guitarra. Lo hizo, cuando levanto la vista su padre estaba llorando.

Desde ese entonces, Yomo ha emocionado a muchos al son de su guitarra preferída “el cuatro”, instrumento puertorriqueño de diez cuerdas descendiente del laúd y luego adaptadas a cuerdas dobles similar a la Valhala española. Como embajador de la cultura puertorriqueña Yomo Toro creció ha tener una carrera de seis décadas conocido como uno de los músicos latinos mas respetado del mundo.

Después de aterrizar por primera vez a Nueva York en el 1953 con su banda “Los Cuatro Aces” Yomo se embarco en una series de giras por el Caribe. Durante este tiempo fue que grabo el disco clásico con los maestros del cuatro Maso Rivera y Nieves Quintero apropiadamente titulado “Los Tres Cuatros”

Su sueño de tocar con el legendario Trío Los Panchos se realizo al principio de los años sesenta, donde Yomo grabó cuatro albunes con ellos y uno donde canta Eydie Gorme.

El show de variedades de Yomo Toro por el canal 41 en Nueva York destaco muchos artistas y hizo un nombre para el joven cuatrista durante los años ‘60 al ‘70. Llamo la atención de Jerry Masucci y Johnny Pacheco co-propietarios del sello Fania y con el tiempo se unió como un importante parte de la Fania All Stars. El año 1969 fue especialmente notable cuando grabo su primer álbum de salsa “Tributo a Arsenio” con la Orquesta de Larry Harlow.

Fue llamado de nuevo por el guitarrista y compositor Roberto García para grabar un álbum de Navidad que Pacheco estaba grabando con un nuevo grupo. Roberto le pidió a Yomo que trajera su guitarra eléctrica, popular en esos tiempos, para sustituir por el. Pero, como Yomo cuenta la historia, cuando escucho la palabra “navidad”, agarro su cuatro en su lugar. Cuando Héctor Lavoe vio el instrumento inmediatamente pensó en su mentor y amigo de Yomo el gran cantante folclórico Chuito el de Bayamon y los dos empezaron a comparar los aguinaldos que ambos conocían. A través de este encuentro musical con Héctor Lavoe y Yomo en el 1972 salió a luz el clásico “Asalto Navideño” con Willie Colon y Héctor Lavoe el cual se convirtió en uno de los mas vendidos clásicos de la Fania.

En los años de los ‘70, ‘80 y ‘90 su carrera salió como un tren de carga. Yomo participó en mas de 150 discos grabando 20 como solista para los sellos Fania, Isla, Rounder Records y Green Linnet. Volvió a la televisión y al cine para tocar en anuncios publicitarios para varias empresas internacionales, como por ejemplos para los programas de televisión tan conocimos como “Sesame Street” y “El Fantasma de Padre Fohner ” mientras su música sonaba de varias películas incluyendo “Crossover Dreams” con Rubén Blades y “Bananas” de Woody Allen.

Llamado “El Jimmy Hendrix del Cuatro” por el New York Times, Yomo Toro se extendió a muchos ambientes de grabación musical con grandes como Harry Belafonte, Paul Simon, Linda Ronstadt, Gloria Estafan y David Byrne. Su imagen se captura en estatuas elegidas en su honor tanto en Japón como en su ciudad natal de Guanica.

A pesar de haber viajado el mundo entero, ser miembro de las “estrellas de Fania,” y hacer películas, Yomo mantuvo una simple vida humildemente viviendo entre la gente de su barrio del Bronx adonde se instalo en la sección de Tremont desde el 1973, después de una temporada de haber residido en Brooklyn y en el Barrio. Yomo se presento en la Casa Blanca con el mismo orgullo, vigor y entusiasmo que compartía con sus hermanos musicales durante los bailes anuales en su barrio del Bronx en el Bronx Lebanon Hospital Center donde realizo su ultimo concierto en Octubre del 2010. Entre sus compañeros Yomo fue considerado el mas humilde entre los artistas que personificaba esa calidad extraordinaria de “alma de Dios”, una rareza en esta sociedad urbana.

En el 1994 Yomo comenzó a viajar de nuevo y a grabar con las Leyendas Latinas de Larry Harlow. Dos años más tarde lanzo uno de sus discos favoritos “Celebremos Navidad”. Regresa en el 1998 esta vez como parte del musical de Off- Broadway de David González “Sofrito”. La música de Yomo también se escucha en el programa popular de niños “Dora La Exploradora”.

El trombonista de Jazz Roswell Rudd se enamoro de las cuerdas de Yomo y grabaron “El Espíritu Jibaro” en el 2007, mientras que el súper sonido de Yomo en la salsa tanto como su estilo único en la música jíbara de Puerto Rico se une en el críticamente aclamado disco debut de Zon del Barrio “La Tribu de Cortijo” seguido en el 2010 por el sencillo “Homenaje al Sonero Mayor” donde Yomo se escucha volando, innovando y estrechando su virtuosismo en la cuerdas de su querido cuatro.